Det prerafaelitiska brödraskapet grundades 1848 och kan med rätta anses vara den första avantgarderörelsen i Europa. De mystiska bokstäverna "R.K.V.", som dök upp i målningar av unga och okända konstnärer, förvirrade den engelska allmänheten - studenter vid Royal Academy of Arts i London ville ändra inte bara principerna för modern konst, utan också dess roll i det sociala samhällets liv.

Under den industriella revolutionen föll upphöjda ämnen och stramt akademiskt måleri i Rafaels anda i unåde hos den viktorianska medelklassen, vilket gav plats för konstnärlig kitsch och sentimentala scener. Medlemmar av det prerafaelitiska brödraskapet insåg krisen för idealen från högrenässansen och vände sig till italiensk konst från 1400-talet. Exemplen var verk av framstående Quattrocento-målare - en ljus, rik palett, betonade dekorativitet av deras verk kombinerades med vital sanningsenlighet och en känsla av natur.

Ledarna för det prerafaelitiska brödraskapet var konstnärerna D.E. Millais (1829-1896), D.G. Rossetti (1828-1882), W.H. Hunt, liksom F.M. Brun. I slutet av 1850-talet bildades en ny grupp kring Rossetti, som innefattade W. Morris, E. Burne-Jones (1833-1898), E. Siddal och S. Solomon.

Konstnärer i Rossettis krets ägnade sig åt måleri och grafik, skrev poesi och designade böcker, utvecklade inredning och möbeldesign. Redan i mitten av 1800-talet började prerafaeliterna arbeta i det fria, lyfte frågan om kvinnors rättigheter i samhället och bidrog till bildandet av seklets viktigaste stil - jugendkonst.

Prerafaeliternas uppgifter

De unga konstnärerna som grundade det prerafaelitiska brödraskapet insåg att de tillhörde en kultur där det inte fanns några traditioner för religiös målning, förstörd på 1500-talet, under reformationen. Prerafaeliterna stod inför en svår uppgift - att återuppliva religiös konst utan att tillgripa de ideal-konventionella bilderna av den katolska altartavlan.

Till skillnad från renässansmästarna var grunden för kompositionen av prerafaelitiska målningar inte fantasi, utan observationer och ansikten hämtade från vardagen. Medlemmar av brödraskapet förkastade de mjuka, idealiserade formerna som är karakteristiska för högrenässanskonstnärer, och föredrog dynamiska linjer och ljusa, rika färger.

Ingen av prerafaeliterna sökte särskilt betona teologiska sanningar i innehållet i sina målningar. De närmade sig snarare Bibeln som en källa till mänskligt drama och sökte litterär och poetisk mening i den. Dessutom var dessa verk inte avsedda för utsmyckning av kyrkor.

Den mest troende kristna i gruppen var Hunt, en excentrisk religiös intellektuell. Resten av de prerafaelitiska konstnärerna försökte skildra livet för de vanligaste människorna, samtidigt som de identifierade akuta sociala, moraliska och etiska teman i det moderna samhället. Målningar på religiösa teman ställs mot bilder som är relevanta och angelägna. Handlingar tillägnade sociala frågor, som tolkats av prerafaeliterna, tar formen av moderna liknelser.

Målningar på historiska teman

Målningar på historiska teman spelar en nyckelroll i prerafaeliternas arbete. Traditionellt var britterna inte intresserade av spännande heroiska scener och idealiserade klassiska kompositioner fyllda med apatiska nakenmodeller. De föredrog att studera historia genom William Shakespeares pjäser och Walter Scotts romaner, och att lära sig biografin om stora figurer från det förflutna i teatraliska bilder av framstående skådespelare som Garrick och Sarah Siddons.

Prerafaeliterna förkastade den klassiska historien med dess idéer om exemplarisk dygd, militär makt och monarkisk prestation. När det gäller litterära och historiska ämnen, skildrade de noggrant kostymerna och interiören i den valda eran, men stärkte samtidigt genreaspekten, vilket gjorde mänskliga relationer till kompositionens huvudmotiv. Innan de fyllde bilden med människor, målade konstnärerna noggrant ut alla detaljer i interiören eller landskapet i bakgrunden för att understryka den avslappnade och realistiska atmosfären runt den centrala scenen. I ett försök att skapa en trovärdig komposition hittade de exempel på kostymer och ornament i belysta manuskript och historiska uppslagsböcker. Funktionerna hos varje karaktär är ett noggrant ritat ansikte av en modell som valts bland medlemmarna i brödraskapet. Detta tillvägagångssätt förkastade de accepterade konventionerna för den höga genren, men förstärkte effekten av äkthet.

Prerafaelitisk inställning till naturen

Den prerafaelitiska inställningen till naturen utgör en av de viktigaste aspekterna av denna rörelse både vad gäller konstnärlig teori och stil. John Ruskins uppmaning att "vända sig till naturen av hela ditt hjärta och gå hand i hand med henne förtroendefullt och flitigt, komma ihåg hennes instruktioner och bara tänka på att förstå hennes mening, utan att avvisa, utan att välja, utan att förlöjliga" hade ett otvivelaktigt inflytande på Preventionen. -Rafaeliter. De unga medlemmarna i det prerafaelitiska brödraskapet studerade ivrigt Ruskins verk om Turners arv, men deras egen stil är en unik syntes av utomhusmålning, spännande Shakespeares intrig och aktuella teman för modernt arbete. De mest framgångsrika verken kombinerar detaljerad komposition med mästerlig gestaltning och komplex design som kombinerar alla element till en sammanhängande helhet.

John Everett Millais. Valley of Eternal Peace ("De trötta kommer att finna frid")

Samtidigt fascinerades prerafaeliterna av de senaste upptäckterna inom naturvetenskapens område, som i mitten av seklet följdes med stort intresse av hela det brittiska samhället. Konstnärer fortsatte att konkurrera med fotografi, som både kompletterade naturbilderna de skapade och uppmuntrade dem att måla med ännu mer känsla, med hjälp av en ljus, rik palett. Genom att kombinera figurer och landskap till en intrikat komposition betonade prerafaeliterna det narrativa elementet, tilltalade betraktarens sinnen och skapade stämning i målningen. Så här bevakade målningen sina gränser.

Esteticism rörelse, syftet med konst

I början av 1860-talet började ett nytt skede i Rossetti och hans medarbetares arbete. Unga målare som gick med i kretsen av före detta prerafaeliter försökte förverkliga sin talang inom olika konstområden. Verken som skapades av den nya gruppen konstnärer och författare visade sig dock inte vara mindre innovativa. I mitten av 1860-talet hade prerafaelismen förvandlats till estetikrörelsen. Verken i det här avsnittet är dedikerade till skönhet som sådan.

I strävan mot det, kännetecknar detta "enda absoluta mål" för konsten, enligt Rossetti, det andra decenniet av prerafaelitiskt måleri.

Rossetti strävade också efter skönhet, men hans mål var att skapa ett nytt estetiskt ideal. Under denna period utförde konstnären en serie verk som glorifierar fullblod, frisk, eftertryckligt sensuell kvinnlig skönhet.

Det utarbetade penselarbetet och de breda färgslagen som applicerats med hårda penslar imiterar medvetet 1500-talets venetianska målning och i synnerhet Tizian och Veroneses teknik.

Djupa och rika gröna, blå och mörkröda ersatte den gotiska glasmålningens genomskinlighet i den tidiga prerafaelitpaletten.

Trots förhållandet till de gamla mästarnas målningar chockade målningarna samtida, som rasande anklagade Rossetti för omoral. Samtidigt hade den konstnärliga tolkningen av bilder och det semantiska innehållet i dessa verk ett betydande inflytande på bildandet av stilistiken i jugendkonsten.

Poetisk målning av prerafaeliterna

I mitten av 1850-talet slutade Rossetti tillfälligt måla och genom att vända sig till akvarelltekniker skapade han en serie färgglada och komplexa kompositioner. I dessa verk visades konstnärens passion för medeltiden särskilt tydligt - många akvareller skapades under intrycket av upplysta manuskript.

I utseendet på de långa, bleka och smala hjältinnorna i Dante Gabriel Rossettis akvareller kan man ofta urskilja Elizabeth Siddals gestalt och drag.

Akvareller av en representant för den nya generationen konstnärer i Rossettis krets, Edward Burne-Jones, liknar cloisonne-emalj, vilket återspeglar deras författares intresse för olika tekniker och typer av konst.

Nästan alla akvareller var inspirerade av ridderliga poetiska romaner, ballader eller romantiska poeters verk. Samtidigt tillåter inte dessa verks självständiga karaktär att vi i dem bara ser en illustration av ett litterärt verk. I slutet av 1850-talet och början av 1860-talet skapade Rossetti ett antal verk om religiösa ämnen. Den rika färgpaletten och det allmänna arrangemanget av figurerna återspeglar inflytandet från venetiansk konst, som under denna period ersatte konstnärens tidiga passion för florentinskt Quattrocento-måleri.

Prerafaelitisk Utopia, design

Tack vare William Morris och företaget Morris, Marshall, Faulkner and Co., grundat av honom tillsammans med E. Burne-Jones, D.G. Rossetti och F.M. Brown, verk av brukskonst hade en betydande inverkan på utvecklingen av europeisk design under andra hälften av 1800-talet, påverkade utvecklingen av brittisk estetik och gav upphov till Arts and Crafts Movement.

Morris och hans medarbetare försökte höja designens status till samma nivå som andra former av konst. Till en början betonade de arbetets kollektiva och guildiska karaktär och tog idealiserade idéer om medeltida hantverkare som förebild. Företaget producerade inredning och dekorationer för hem- och kyrkinteriörer: kakel, målat glas, möbler, tryckta tyger, mattor, tapeter och gobelänger. Burne-Jones ansågs vara huvudkonstnären och Morris var ansvarig för utformningen av ornamenten. Hjältarna i Burne-Jones senare verk uppvisar inga känslor, deras gestalter är frusna i orörlig oberördhet, så att handlingens innebörd är oklar och så att säga gömd i täta lager av färg.

Edward Burne-Jones. Sidonia von Bork, 1560. 1860

Denna konstnärs drömska bilder och abstrakta kompositioner ger ett fantasifullt alternativ till den extrema materialismen i det viktorianska Storbritannien. I detta framstod hans konst utan tvekan som en utopi, men en helt abstrakt utopi. Som han själv sa: "Jag är en född rebell, men mina politiska åsikter är tusen år föråldrade: dessa är åsikterna från det första årtusendet och har därför ingen mening."

1.1. Konst- och hantverksrörelsen och bildandet av begreppet designverksamhet / 1.2. Art Nouveau-stilens konstnärliga och estetiska värden i reklamaffischer i Frankrike och Storbritannien / 1.3. Konceptet att designa en barnbok som en integrerad organism / 1.4. Ryska balettsäsonger i Paris: begreppet syntes av konst / 1.5. Satirisk tidskriftsgrafik och framväxten av socialaffischgenren

Konst- och hantverksrörelsen och bildandet av konceptet designaktivitet

Bildandet av konceptet design som en professionell och kreativ verksamhet började i den förmoderna eran i Storbritannien. Den breda spridningen och inverkan av romantikens estetik på det allmänna medvetandet ledde till att i detta land andra hälften av 1800-talet. präglades av uppkomsten av stora socio-estetiska rörelser som förenade konstnärer, arkitekter, författare, designers, hantverkare, oroade över att den mänskliga visuella världen, som ett resultat av ofullkomliga tekniska processer inom industriell produktion, alltmer fylldes med fula former. . De största av dem var Arts and Crafts Movement, ledd av W. Morris, och Aesthetic Movement, vars grundare var C. Dresser och O. Jones.

Ideologin för dessa rörelser byggde på J. Ruskins idéer om behovet av att föra in konsten i människans vardag. Han hävdade att "med matematisk precision, utan att tillåta några avvikelser och inga undantag, tjänar ett lands konst, vad det än är, som ett kriterium för dess etiska tillstånd." Enligt hans åsikt är ”god smak en i grunden moralisk egenskap... Smaken är inte bara en del eller ett tecken på moralisk värdighet, det är den enda moralen. Berätta för mig vad du älskar, så ska jag berätta vad du är."

Enligt Ruskin ska konst förstås som en syntes av natur, skönhet och moral. Denna formel är helt överförbar för design, som syntetiserar designens funktionella (gå tillbaka till naturen), konstnärligt-estetiska (gå tillbaka till skönheten) och sociala (gå tillbaka till bra) principer. Det är kombinationen av dessa aspekter av design som gör den till ett sätt att estetiskt förändra livet.

W. Morris och den engelska konsthantverksrörelsens främsta förtjänst och prestation bör betraktas som roten i det allmänna medvetandet om idén att skapandet av en ädel visuell-objektiv miljö kan förädla samhällets moral och bli en effektiva medel för fredlig, snarare än revolutionär, omvandling på grundval av social rättvisa.

Idealet för en kulturell epok för romantikerna var inte antiken, utan den nationella medeltiden, den gotiska epoken. Idén om en syntes av konst, som ligger till grund för den konstnärliga och estetiska lösningen av den gotiska katedralen, kommer att bli nyckeln till design som en typ av professionell och kreativ aktivitet. Principen om en holistisk konstnärlig och estetisk lösning för ett gotiskt tempel kommer att introduceras av de första engelska formgivarna i utformningen av en persons vardagliga miljö - från den visuella och grafiska lösningen av en bok till designen av ett "engelsk hus" som en hela.

W. Morris var en av de första som uppmärksammade att produktionen inte bara tillfredsställer befintliga behov, utan också skapar nya. Produktionen av en konstnärligt imperfekt visuell-objektiv miljö fyllde inte bara världen med fula former, utan bildade också en typ av estetiskt okunniga konsumenter. Det estetiska värdet av ett designobjekt identifierades av W. Morris å ena sidan med produktens kvalitet och å andra sidan med hantverksteknik. Det var dessa principer som låg till grund för hans designarbete.

För första gången i praktiken kunde W. Morris omsätta sina idéer i praktiken 1860, när han fick en order att rita Röda huset i södra London. Arbetet med att designa möbler, tapeter, gobelänger och målat glas i medeltida anda fascinerade honom så mycket att han skapade företaget Morris, Marshall, Fawkner and Co. (1861), som blev prototypen för designorganisationen. Mycket snabbt började företagets produkter, som var engagerat i bearbetning av färgat glas, målat glasdesign, broderi på tyg, tapeter, möbler och vävning, vara i hög efterfrågan. Över 600 W. Morris-designer sattes i produktion, som implementerades av hantverksmästare inbjudna från hela England.

De stilistiska dragen i W. Morris design bestäms av romantikens estetik - blommiga och djuriska motiv dominerar i tryck för tapeter och mattor. Växtmotiv kunde beställas upprepningar (som i fallet med Morris berömda kronärtskockor) eller utföras på ett avslappnat naturligt sätt (den "frukt" tapeten byggdes ofta på principen om symmetri av massor som är karakteristiska för växtvärlden; "Hackspett" gobeläng).

När han skapade grafiska tryck använde W. Morris medeltida kompositionstekniker med hjälp av ett rombiskt rutnät och diagonala grenar, medan hans blommönster för tyger, mattor och tapeter, som verkar naturliga, faktiskt är genomtänkta i minsta detalj. I W. Morris verk "finns det alltid en känsla av friskhet och spontanitet, en fantastisk känsla av naturens naturliga tillväxt och överflöd, förmodligen från Morris passionerade kärlek till naturen i kombination med en sällsynt dekorativ gåva."

Kvaliteten och den konstnärliga nivån på hans företags produkter visade sig vara så hög att de omedelbart förvandlade möbler, mattor och hushållsartiklar de producerade till lyxartiklar. De tog lång tid att tillverka och materialen var ofta för dyra. Noggrant arbete med produkten krävde en enorm mängd arbete. I praktiken visade sig idéerna från Morris, som drömde om att skapa högkvalitativa och vackra hushållsartiklar tillgängliga för allmänheten, vara deras motsats.

Publicering blev en mycket viktig del av W. Morris arbete. Ofullkomligheten i tryckteknik och den kraftiga ökningen på 1800-talet. efterfrågan på tryckta produkter

ledde till att boken, trots illustrationer och design av bra konstnärer, förlorade sin harmoniska integritet. Illustrationerna såg ofta främmande ut i bokblocket, det fanns ingen harmonisering av delarna på sättningssidan - storlekar, proportioner, typsnitt.

Ris. 1.1.

Ris. 1.2.

Prerafaeliterna var de första som insåg problemet med att skapa en bok som ett integrerat konstverk, vars alla element är sammanlänkade. De utvecklade sättnings- och layouttekniker som säkerställde harmonin mellan bilder, typsnitt och bokornamentik.

W. Morris spelade en framträdande roll i återupplivandet av bokkonsten. Hans intresse för boken som designobjekt började först 1856, då han tog fram tre handskrivna presentexemplar av dikten "Berättelsen om den glittrande slätten" på pergament.

1890 grundade Morris tryckeriet Kelmscott Press på Hammersmith-gården. Hans publiceringscredo formuleras i artikeln "Notes on My Intentions in Founding the Kelmscott Press" (1898), där syftet med förlagsverksamheten

^DETTA ÄR BILDEN PÅ DET GAMLA HUSET VID THAMES SOM MÄNNISKOR I DENNA HISTORIA GÅTT TILL. P HÄREFTER FÖLJER BOKEN DEN. SJÄLV SOM KALLAS NYHETER FRÅN INGEN STANS ELLER EN EPOK AV VILA & ÄR SKRIVET AV WILLIAM MORRIS/?/?

Ris. 1.3.

W. Morris "Nyheter från ingenstans." 1893 Första sidan av publikationen "Works

Geoffrey Chaucer." 1894

betecknades som "skapandet av sådana böcker som, som tryckerier och på grund av sättningssidans utseende, skulle representera något som kunde väcka glädje till kontemplation." W. Morris ansåg att det först och främst var nödvändigt att uppmärksamma följande delar av publikationen: papper (han använde handgjort papper), formen på bokstäverna, definitionen av avstånd mellan bokstäver, enskilda ord och linjer, och placering av texten på uppslaget som helhet.

Nya antika och gotiska typsnitt göts på Morris tryckeri: Kelmscott Golden, 1890 - en version av det klassiska typsnittet från 1400-talets venetianska skrivare. N. Jenson, utmärkt genom en djärvare stil; Troja, 1891 - 1892 - baserad på den gotiska typen av G. Zeiner, en tryckare från Augsburg, och A. Koberger, en boktryckare från Nürnberg (båda kända som utgivare av inkunabel); Chaucer, 1892-12-punktsversion av "Troy".

Under förlagets verksamhetstid (1891 - 1897) utgavs 53 böcker. Upplagan av varje upplaga var cirka 400 exemplar. Den första boken som Kelmscott Press publicerade var Morris egen roman, The Story of the Glitting Valley. Morris mästerverk var The Works of Geoffrey Chaucer, den berömda medeltida författaren, författaren till The Canterbury Tales. Boken trycktes i stort format, vackert ornamenterad och illustrerad med gravyrer av E. Burne-Jones. 425 exemplar trycktes på papper och 13 på pergament.

Den estetiska rörelsen, till skillnad från Arts and Crafts-rörelsen, hade som motto uttrycket "konst för konstens skull" och hävdade att estetiska värden prioriterades framför etiska och sociala frågor. Förutom den medeltida syntesen av konst, var den estetiska rörelsen till stor del inriktad på användningen av motiv från kinesisk och japansk grafik, abstrakta geometriska former av japansk brukskonst.

Den viktigaste figuren i den estetiska rörelsen var Christopher Dresser (1834-1904), som började sin karriär med att utforska samspelet mellan naturliga former och ornament. 1862 öppnade Dresser sin studio i Kensington, London, och började arbeta som en oberoende designer. Samma år publicerades hans första böcker om design - "The Art of Decorative Design" och "The Development of Ornamental Art".

K. Dresser ansåg att bra design borde vara tillgänglig för alla medlemmar i samhället, oavsett social status, därför är det nödvändigt att designa produkter för massproduktion, eftersom de endast i detta fall kan vara kommersiellt gångbara. Idén om "konst för alla" delades av medlemmar i Arts and Crafts Movement och Aesthetic Movement, men båda rörelserna hade en negativ inställning till massproduktion, medan K. Dresser positivt bedömde utsikterna för modern industri.

Dressers tapeter och textiltryck skilde sig markant från dem som massproducerades på den tiden. Han använde en mängd olika källor till kreativ inspiration, med imitation av olika material - marmor, träbeklädnad, tygdraperi. Dressers prydnadskompositioner var stela i sin struktur och var en stilisering av växt-, blom- eller geometriska motiv lånade från kinesisk, japansk, egyptisk, grekisk, arabisk och morisk konst. Textilierna och tapeterna skapade av Dresser kännetecknas av en dämpad färgsättning, som designern ansåg vara den enda acceptabla i interiören.

K. Dresser skapade mönster för de största konst- och industriföretagen som ingår i konsttillverkarna. Designern har samarbetat med mer än 50 företag, inklusive den berömda porslinstillverkaren Wedgwood.

K. Dresser signerade sina verk med orden: Designad av Dr. Dresser, och förutspådde därmed uppkomsten av varumärkesbyggande. Produkter som bär hans namn blev en symbol för "bra design". Begått av honom 1876-1877. på uppdrag av Queen Victoria and Prince Albert Museum ledde en resa till Japan för att fylla på museets samling till att Dresser praktiskt taget övergav användningen av prydnadsföremål i designen av metalltekannor och serviser, betonade material och form, och förutsåg därmed stilpreferenserna hos design i flera decennier.

I allmänhet förkroppsligade de engelska romantikernas dekorativism idéerna om snabb tillväxt och naturens överflöd, medan ett tydligt förkastande av dekoration för dess egen skull bildades. Verksamheten hos representanter för Arts and Crafts Movement och the Esthetic Movement ledde till det faktum att redan i en tid präglad av uppkomsten av grafisk design under andra hälften av 1800-talet. universella principer för designverksamhet bildades: design baserad på syntesen av alla typer av konst och hantverk; bekräftelse av idén om tillgänglighet av skönhet oavsett social status; design baserad på att lösa samhällets sociala problem; ett helhetsgrepp på designobjektet.

• Ruskin J. Konst och verklighet. M.: Typo-lit. t-va "Kushnerev och Co", 1900. S. 5.
• Nekrasova E.L. Romantik i engelsk konst. M.: Konst, 1975. S. 203.
• Morris W. En anteckning om mina avsikter med att grunda Kelmscott Press // Typography as an Art. M., 1984. s. 88.
• Centimeter.: Nekrasova E.A. Dekret. op. S. 215.

Linley Sambourne, karikatyr av Oscar Wilde, Punch Magazine, volym 80, 1881
Åh, jag känner mig lika glad som en ljus solros!
Esthetes of Aesthetes!
Vad finns i ett namn?
Poeten är VILDE,
Men hans poesi är tam.

Den estetiska rörelsen är en term som beskriver rörelsen på 1870- och 1880-talen som manifesterade sig i den fina och dekorativa konsten och arkitekturen i Storbritannien och senare USA. En reaktion mot vad som verkade prudiskt i konst och design, kännetecknades rörelsen av en skönhetskult och en betoning på det rena nöjet den gav. I måleriet fanns en idé om konstens autonomi, såväl som begreppet "konst för konstens skull", som har sitt ursprung i Frankrike i litteraturen och fördes till Storbritannien på 1860-talet.

Den estetiska rörelsen försvarades av författarna och kritikerna Walter Pater, Algernon Charles Swinburne och Oscar Wilde. I enlighet med Paters teori målade konstnärer som var associerade med rörelsen målningar som var intriglösa eller saknade en betydande intrig. Dante Gabriel Rossetti hämtade inspiration från venetiansk konst på grund av dess betoning på färg och de dekorativa egenskaperna hos en målning. Resultatet av hans sökningar var flera halvlånga bilder av kvinnliga figurer, som "Blue Boudoir" (1865, Barber Institute of Fine Arts).

D. Whistler "Princess from the Land of Porcelain"

Väggarna under Jekylls utarbetade skiljeväggar var täckta med spanskt läder, som Whistler hade målat i guld över en blå bakgrund med motiv av ett påfågelöga och påfågelfjädrar 1877; mitt emot sin bild som hängde ovanför den öppna spisen, avbildade han två påfåglar med lyxig fjäderdräkt. I den öppna spisen står ett par brandhundar i smidesjärn som Jekyll gjorde i form av solrosor och påfåglar. Solrosen var ett signaturmotiv för den estetiska rörelsen, som förekom i kakel av William de Morgan, broderier av C. Ashby, möbelchintz och tapeter av Bruce Talbert och på den målade framsidan av en klocka (1880, London, Victoria and Albert Museum) ), möjligen baserad på en design av Lewis Foreman Day.

En klocka, förmodligen baserad på en skiss av L.F. Day (1880, London, Victoria and Albert Museum)

William de Morgan, keramiska plattor

Ett gemensamt drag för de "konstnärliga" möblerna, keramikerna, konstsmidet och textilierna i "Aesthetic Movement" och Queen Anne Styles arkitektur, så älskad av Godwin och Richard Norman Shaw, var deras skapares önskan (manifesterad i sofistikeringen av deras design) för att höja statusen för deras verk till status som verk bildkonst. De skapade "konstnärliga" inredningsföremål och byggnader. De både reformerade och formade smaken - ett viktigt bekymmer för William Morris, vars åsikter, även om de stod i strid med filosofin om den estetiska rörelsen, hjälpte till att sprida dess inflytande över hela USA. År 1870 såldes Morris tapeter i Boston, och två år senare publicerades Charles Locke Eastlakes Tips om hushållssmak i en amerikansk upplaga.
<....>

Konst och hantverk - "Konst och hantverk". Denna konstnärliga rörelse uppstod i England på 1860-talet som en reaktion på industrialiseringens era och den industriella revolutionen. Den omfattade konstnärer, formgivare, arkitekter, hantverkare och författare. Inspiratören av rörelsen och dess inofficiella ledare var William Morris, där en romantisk konstnär och en affärsman, en drömmare och en politiker samexisterade. Morris kraftfulla karisma gav vital energi till hela Arts and Crafts-rörelsen.

Det viktigaste som medlemmarna gjorde uppror mot Konst och hantverk– det här är själlös maskinproduktion som berövar arbetaren glädjen i sitt arbete. Klumpiga, smaklösa saker kom från det löpande bandet som folk fyllde sina hem med - möbler, tyger, disk. Industrialiseringen förde med sig en allmän nedgång i konstnärlig smak, när skönhet och harmoni ersattes med "snygghet".

Målet med Arts and Crafts är saker gjorda av människor och för människor, som glädjer både de som skapar dem och de som använder dem. Handgjorda hushållsartiklar är mycket bättre i kvalitet och smak och kan inte jämföras med maskintillverkade. Den ideala organisationen av produktionen för konst och hantverk var de medeltida skråen - när hela processen att producera en sak, från idé till slutlig finish, gick genom händerna på en hantverkare.

Denna rörelse hämtade konstnärliga idéer från medeltidens europeiska konst, från islamisk konst och från Japans konst som nyligen upptäckts av européer. De som delade principerna för konst och hantverk provade sig inom olika branscher: de gjorde möbler, gobelänger, tapeter, draperier, metallarbete, glas och keramik.

Grundläggande egenskaper hos Arts and Crafts-stilen:

• Handgjorda.
• Enkla former, måttfulla dekorationer och genomtänkt ornamentik. Möblerna var enkla, opretentiösa och nästan utan dekoration, men tapeter och tyger var tvärtom väldigt dekorativa.
• Betona skönheten och strukturen hos naturliga material.
• Lätt ofullständighet av former, deras vertikalitet och förlängning.
• Prydnad från växter eller djur.

På 1860-talet grundade William Morris det dekorativa konstföretaget Morris and Co, som inkluderade hans vänner: prerafaelitiska konstnärerna Dante Gabriel Rosetti, Edward Burne-Jones, Ford Madox Brown

och arkitekt Philip Webb. Detta företag, för vilket Morris arbetade till slutet av sitt liv, uppmuntrade och sponsrade återupplivandet av traditionellt hantverk - målning av glasmålning, handbroderi, tillverkning av tryckta tyger för väggar och möbler, och färgning av siden och ull med naturliga färgämnen . Morris kom själv med slående vackra mönster - för tapeter, för tryckta och ylletyger, för broderi. Han återupplivade på egen hand gobelängproduktionen, och gobelänger baserade på hans mönster produceras och säljs fortfarande i Storbritannien.

Morris dröm var ett hus som ett konstverk. "Jag har aldrig varit i ett enda rikt hus som inte skulle ha förbättrats om nio tiondelar av det som stoppades in i det hade gått till elden", sa Morris. Hans dröm gick i uppfyllelse när han i samarbete med arkitekten Philip Webb byggde Red House nära London – Red House

(fick detta namn eftersom det, till skillnad från alla hus från den eran, inte var putsat - väggarna förblev av rött tegel), som han gav som en bröllopspresent till sin fru Jane. Utformningen av all inredning och interiör utfördes enligt Morris skisser.

Även om huvudidén med Arts and Crafts var att föra in skönhet i vanliga människors vardag, visade det sig snart att de inte hade råd med produkter från Morris verkstäder - mästerkonstnären behövde få en anständig lön för sitt arbete, så det var inte möjligt att konkurrera med fabrikstillverkningen när det gäller produkttillgänglighet. Morris produkter hade dock fortsatt framgång bland rika kunder.

Medlemmar av Arts and Crafts-rörelsen stödde starkt hantverk inte bara på professionell utan också på amatörnivå. Föreningen för hemkonst och hantverk, som de skapade på 1880-talet (som innefattade medlemmar av kungafamiljen), genomförde mästarklasser i hela landet och anordnade utställningar.

Den stora förtjänsten med Arts and Crafts är att de var först med att förkunna det nära sambandet mellan design och livskvalitet. Många drag av denna rörelse bevarades i de konstnärliga stilar som ersatte den - esteticism och modernism.

Nyckeln till att förstå Arts and Crafts ligger i sloganen, som myntades av en annan framstående medlem av rörelsen, arkitekten och konstnären Charles Voysey: "Head Hand and Heart" - "Head, hands and heart." "Huvud" är förmågan att skapa och föreställa sig, "händer" är skicklighet och skicklighet, "hjärta" är kärlek och uppriktighet.

Prerafaelitiska konstnärer (från latinets prae - framåt, och namnet "Raphael") är representanter för en rörelse inom engelsk poesi och målning från mitten av 1800-talet, bildad för att bekämpa etablerade akademiska traditioner, konventioner och imitation av klassiska modeller. Huvudrepresentanterna för det prerafaelitiska brödraskapet - William Holman Hunt (1827 -1910), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) och John Everett Millais (1829-1896) - ansåg målningen av de tidiga renässanskonstnärerna som arbetade före Raphael värdig av beundran. Prerafaeliterna ansåg att Perugino, Fra Angelico och Giovanni Bellini var värda att efterliknas.

Prerafaelitiska konstnärer mot akademism

I mitten av 1800-talet var den akademiska skolan i engelsk måleri ledande. I ett utvecklat industrisamhälle uppfattades en hög prestandateknik som en garanti för kvalitet. Därför var akademistudenternas arbete ganska framgångsrikt och efterfrågat av det engelska samhället. Men det engelska måleriets stabilitet har redan utvecklats till förbening, fastnat i konventioner och upprepningar. Och Kungliga Konsthögskolans sommarutställningar blev mer och mer förutsägbara för varje år. Kungliga Konsthögskolan bevarade akademismens traditioner och behandlade innovationer med stor försiktighet och skepsis. Prerafaelitiska konstnärer ville inte avbilda naturen och människorna som abstrakt vackra, de ville skildra dem sanningsenligt och enkelt, och trodde att det enda sättet att förhindra försämringen av engelsk måleri var en återgång till enkelheten och uppriktigheten i konsten. tidig renässans.

Vad ogillade prerafaeliterna särskilt?

• felaktiga standarder för akademisk utbildning
• första presidenten för Academy of Arts, Sir Joshua Reynolds (1723-1792)
• Rafaels målning "Transfiguration"
• kreativiteten hos P.P. Rubens

I Rafaels målning "The Transfiguration" såg prerafaeliterna en förakt för enkelhet och sanning. Enligt W. H. Hunt var apostlarnas klädsel för pompös, och bilden av Frälsaren saknade andlighet.

D. G. Rosseti, som hatar Rubens verk av hela sin själ, lyckades skriva "Spit here" på sidorna i ett konsthistoria-verk, mittemot varje omnämnande och det sista.

Rafael Santi. Transfiguration

P.P. Rubens. Berusad Hercules

Sir Joshua Reynolds. Självporträtt

Prerafaeliternas kreativa och konstnärliga tekniker

• Ljusa, fräscha färger

För att uppnå ljusare och fräschare toner använde prerafaelitiska konstnärer nya målningstekniker. De målade i olja på fuktig vit mark eller på ett lager kalk. Förutom färgernas ljusstyrka gjorde den valda tekniken det möjligt att göra konstnärernas verk mer hållbara - prerafaeliternas verk har bevarats i sin ursprungliga form till denna dag.

• Rena färger
• Sann representation av naturen

Efter att ha övergett "skåpmåleri" började unga konstnärer måla i naturen och lade stor vikt vid fina detaljer.

"Jag vill måla ett landskap, avbilda varje detalj jag kan se" (W. Hunt)

• Fokus på konsten från medeltiden och tidig renässans
• Att använda släktingar, vänner och människor från gatan som modeller, snarare än professionella modeller.

En analfabet flicka, Fanny Cornforth, poserade för Dante Rossettis berömda målning "Lady Lilith". Målningen "Jungfru Marias ungdom" föreställer konstnären Dante Rossettis mor och syster. För målningen "Ophelia" gjorde konstnären D.E. Millais valde ögonblicket i Shakespeares tragedi när Ophelia kastade sig i floden, sakta sjönk ner i vattnet och sjöng en rad sånger. Först målade konstnären ett pittoreskt flodhörn, och han målade figuren av en tjej redan under vintermånaderna. Elizabeth Siddal, klädd i en lyxig antik klänning, tillbringade många timmar i ett bad med varmt vatten. Vid ett tillfälle slocknade lamporna som värmde vattnet, men flickan klagade inte och blev allvarligt sjuk. Därefter skickade Elizabeth Siddals pappa en faktura till artisten för att betala för sin dotters behandling.

• Symbolism

Prerafaelitiska målningar kännetecknas av många detaljer utrustade med en viss betydelse eller symbol. Till exempel i målningen av D.E. Millets "Ophelia" föreställer många blommor. Tusenskönor symboliserar smärta, kyskhet och förrådd kärlek, murgröna är ett tecken på odödlighet och evig återfödelse, pil är en symbol för avvisad kärlek, vallmo är en traditionell symbol för döden.

Dante Rossetti. Lady Lilith

D.G. Rossetti. Jungfru Marias ungdom

D.E. Hirs. Ophelia

Prerafaelitiska konstnärer. Huvudämnen och kända målningar.

Om vi ​​ser på prerafaeliternas arbete ytligt, så är det första som dyker upp för oss när de nämns de tragiska figurerna av rödhåriga kvinnor som förkroppsligar bilderna av kända litterära hjältinnor. Men den sanna källan till det prerafaelitiska brödraskapet var upproret mot estetiska konventioner och önskan att sanningsenligt och korrekt avbilda verkligheten.

Huvudteman för prerafaeliternas arbete:

• medeltida (medeltidens historia), kung Arthur
• kult av kvinnlig skönhet
• Shakespeares verk
• verk av Dante Alighieri
• Jesus Kristus
• sociala problem

Medeltiden, kung Arthur i prerafaeliternas verk

Prerafaeliternas verk är fyllda med andlig symbolik, som hänvisar oss till idealen om ridderlighet, kristna dygder och bedrifter. Mot bakgrund av det moraliska förfall som rådde i England i mitten av 1800-talet såg dessa målningar idylliska ut. Men det var just de riddarliga motiven och bilderna, enligt brödraskapets konstnärer, som var tänkta att övervinna förfallet och lösa Englands sociala problem.

Berättelserna om kung Arthur var särskilt populära. Prerafaeliterna hittade rikligt med material om kung Arthur i A. Tennysons poesi. Favoritkaraktärerna i de prerafaelitiska målningarna var Galahad och Elaine, Lancelot och Guinevere, Arthur, Merlin och sjöjungfrun.

D.G. Rossetti. Jungfrun av den heliga gralen. 1874

E. Coley Burne-Jones. Förtrollade Merlin. 1877

D. W. Waterhouse. Lady of Shalott, 1888

Verk av Shakespeare och Dante Alighieri i målningar av prerafaelitiska konstnärer

För att förstå innebörden av vissa prerafaelitiska målningar är det nödvändigt att vända sig till deras litterära grund. Genom att vända dig till texten kan du mer fullständigt avslöja funktionerna och mönstren för utförandet av en viss bild.

Prerafaeliterna ville höja måleriet till litteratur- och poesinivå och introducera ett intellektuellt element i den sköna konsten.

Prerafaelitiska konstnärer vände sig ofta till litterära och historiska ämnen i sina verk. Och Shakespeares och Dantes verk, i vars litterära verk dramatiken om mänskliga relationer så levande visas, intar en speciell plats i deras målning. Skaparna försökte skildra scenen så exakt som möjligt ur en historisk synvinkel. För att skapa den mest naturliga kompositionen runt huvudscenen målade de noggrant bakgrunden och fyllde den med inrednings- eller landskapsdetaljer. De fyllde bilden med handlingens karaktärer och studerade noggrant prover av kostymer och ornament i historiska referensböcker. Men trots ett sådant pedanteri när det gäller att skildra yttre detaljer, har mänskliga relationer alltid förblivit i centrum för kompositionen.

D. W. Waterhouse. Miranda och Storm

F.M. Brun. Romeo och Julia. Den berömda balkongscenen

D.G. Rossetti. Visioner av Dante

D.G. Rossetti. Dantes kärlek

D.G. Rosstetti. Välsignade Beatrice. 1864-1870

Religiösa och sociala ämnen i prerafaeliternas verk.

Det prerafaelitiska brödraskapet försökte återuppliva traditionerna för religiös målning utan att tillgripa de konventionella bilderna av katolska altarmålningar. Unga konstnärer sökte dock inte betona teologiska sanningar i sina dukar. De närmade sig Bibeln som en källa till mänskligt drama. Dessa verk var naturligtvis inte avsedda för utsmyckning av kyrkor och hade en litterär och poetisk snarare än en religiös innebörd.

Med tiden började unga reformatorers arbete klandras för alltför fria tolkningar av religiösa ämnen. Millets målning "Kristus i föräldrahuset" skildrar den asketiska miljön i snickarhuset. I bakgrunden betande får. Frälsaren sårade sin handflata med en spik, och Guds Moder tröstar honom. Duken är fylld med många betydelser: fåren är ett oskyldigt offer, den blödande handen är ett tecken på den framtida korsfästelsen, bägaren med vatten som bärs av Johannes Döparen är en symbol för Herrens dop. Eftersom den heliga familjen är avbildad i Milles målning "Kristus i föräldrahuset" i bilden av vanliga människor, kallade kritiker denna målning "Snickarens verkstad". Drottning Victoria ville personligen verifiera att det inte fanns någon hädelse i målningen och bad att tavlan skulle levereras till henne. Konstnären bestämde sig för att byta namn på målningen för säkerhets skull.

Genom att skildra vanliga människors liv på sina dukar identifierade prerafaeliterna det moderna samhällets moraliska och etiska problem. Ofta tar sociala ämnen i prerafaelitiska målningar formen av religiösa liknelser.

D.W. Vattenhus. Öde. 1900

Kulten av kvinnlig skönhet på det prerafaelitiska brödraskapets dukar

På prerafaeliternas dukar fick kvinnliga bilder en ny utveckling. Femininitet sågs som en odelbar kombination av kroppslighet, attraktivitet, symbolik och andlighet på samma gång. Det speciella med skildringen av kvinnor var den samtidiga kombinationen av realism och fantasi av bilden. På unga konstnärers dukar fick de litterära bilderna av Shakespeare, Keats, Chatterton och andra kroppslighet utan att förlora sitt mysterium. Prerafaeliterna ville göra bilden av en kvinna som beskrivs i romantisk litteratur tillgänglig för ögat.

D.G. Rossetti. Proserpina

D.W. Vattenhus. Plocka dina rosor snabbt. 1909

W. Hunt. Isabella och basilikakrukan 1868

Prerafaeliter och John Ruskin

Det prerafaelitiska brödraskapets pionjär och anhängare var den framstående och betydelsefulle konstteoretikern John Ruskin. I det ögonblicket, när en lavin av kritik föll över unga konstnärer, stödde han konstnärerna både moraliskt - genom att skriva en artikel till försvar för en ny riktning inom måleriet, och ekonomiskt - genom att köpa flera målningar av prerafaeliterna.

Alla tog hänsyn till John Ruskins åsikt, så mycket snart blev målningarna av begåvade ungdomar populära. Vad var det som var så speciellt som den ärevördiga konstteoretikern fann i dessa målningar? På prerafaeliternas dukar såg John Ruskin en levande och kreativ förkroppsligande av de idéer som han skrev så mycket om i sina verk:

• insikt i naturen
• uppmärksamhet på detaljer
• förkastande av påtvingade konventioner och kanoner
• idealisering av medeltiden och tidig renässans

Den berömda kritikern skrev flera artiklar för The Times, där han mycket berömde konstnärernas arbete. Ruskin publicerade en broschyr om dessa mästare, som fungerade som en vändpunkt i deras öde. Vid den akademiska utställningen 1852 mottogs Hunts The Hired Shepherd och Millais Ophelia positivt.

Prerafaeliter. Konst- och hantverksrörelsen. Art Nouveau stil

Varje prerafaelitisk konstnär letade efter sin egen kreativa väg och kärleken till medeltiden räckte inte längre för att hålla ihop medlemmarna i det prerafaelitiska brödraskapet. Den sista oenigheten inträffade 1853, när Millais blev medlem av Royal Academy, som prerafaeliterna så häftigt motsatte sig.

1856 träffade Rossetti William Morris, ledaren för Arts and Crafts-rörelsen, som senare påverkade bildandet av. W. Morris blev tillsammans med Edward Burne-Jones Rossettis elever. Från och med detta ögonblick börjar ett nytt skede av det "förrafaelitiska brödraskapet" nu blir huvudidén estetisering av former, erotik, skönhetskult och konstnärligt geni.

Rossettis mentala och fysiska hälsa försämrades gradvis och Edward Burne-Jones blev nu ledare för rörelsen. Genom att skapa verk i de tidiga prerafaeliternas anda blev han extremt populär.

William Morris blir en central figur inom den dekorativa konsten på 1800-talet, och jugendstilen, en av källorna till vars prerafaelitism, penetrerar inte bara den dekorativa konsten, utan även möbler, inredning, arkitektur och bok design.

Prerafaelitiska konstnärer. Huvudrepresentanter

Dante Gabriel Rossetti

Han föddes i en småborgerlig familj av intellektuella den 12 maj 1828. Året 1848 var betydelsefullt för konstnären, eftersom han vid en utställning på Royal Academy of Arts träffade William Holman Hunt. Gemensam kreativitet ledde till skapandet av det prerafaelitiska brödraskapet.
Han gifte sig med musan och den populära prerafaelitiska modellen Elizabeth Siddal. Under tiden 1854-1862 var han lärare vid den första kommunala läroanstalten där de lägre klasserna utbildades. 1881 började konstnärens hälsa att försämras. Semesterorten Birchington-on-Sea blev konstnärens sista tillflyktsort. Döden öppnade sina armar för honom den 9 april 1882.

Stilfunktioner

Karakteristiska drag för Gabriel Rossettis stil var flerdimensionellt perspektiv och detaljerad utarbetning av varje del av bilden. I författarens verk kommer människans andlighet och storhet i förgrunden.

Huvudmålningar

"Jungfru Marias ungdom";
"Upplysning";
"Inskriptioner på sanden";
Sir Galahad vid det förstörda kapellet;
"Dantes kärlek"
"Välsignade Beatrice";
"Monna Vanna";
"Pia de Tolomei";
"Viammettas vision"
"Pandora";
"Proserpina".

D.G. Rossetti. Venus Verticordia

D.G. Rosstetti. Beatrice välsignad

D.G. Rossetti. Kung Arthurs grav

William Holman Hunt

W.H. Jaga självporträtt, 1867

En av grundarna av det prerafaelitiska brödraskapet. Han skiljdes från andra konstnärer i samhället genom sin religiositet. Från födseln hade han namnet William Hobman Hunt, men ersatte det senare självständigt med en pseudonym. Målningen "Light of the World" gav konstnären berömmelse.

Han skrev ett självbiografiskt verk, Pre-Raphaelitism, vars syfte var att lämna korrekta uppgifter om grundandet av brödraskapet. Han gifte sig med Fanny Waugh, efter vars död han gifte om sig med hennes syster Edith Alice. Detta förbund gav honom ogillande från samhället.

Stilfunktioner

Den omgivande världen är omgiven av pittoresk natur, vars alla detaljer syftar till att förbättra bildens inre tillstånd. Ett kännetecken för Holman Hunts verk är mjuka övergångar av halvtoner och rika kombinationer av färger.

Huvudmålningar

• "Världens ljus";
• "The Lady of Shalott"
• "Claudio och Isabella";
• Festivalen St. Swithin;
• "Den heliga eldens nedstigning";
• "Syndabock";
• "Dödens skugga";
• "Slå."

W. H. Hunt. Syndabock. 1856

W.H. Hunt. Slå

W.H. Jaga. Dödens skugga

John Everett Millais

D.E. Hirs. Självporträtt

Vid elva års ålder gick han in på Royal Academy of Arts (1840). Anses vara den yngsta studenten i institutionens historia. Vid femton års ålder visade han speciella färdigheter i att arbeta med en borste. Hans verk i den akademiska stilen, "Pizarro fångar de peruanska inkan", fick äran att ställas ut på den akademiska sommarutställningen 1846.

För sitt arbete "The Attack of the Tribe of Benjamin on the Daughters of Siloam" belönades han med en guldmedalj 1847. Efter att ha träffat Dante, gick Gabriel Rossetti och Hlman Hunt med i det prerafaelitiska brödraskapet. Verket som gjorde honom känd var målningen "Ophelia", modellen för vilken var den prerafaelitiska musan och framtida fru till D.G. Rossetti Elizabeth Siddal.

1855 gifte sig John Everett Millais med John Ruskins ex-fru Effie, omedelbart efter hennes uppmärksammade skilsmässa från den senare. Från den tiden flyttade han helt bort från det "prerafaelitiska brödraskapet" och skapade populära målningar i akademisk stil. 1896 valdes han till president för Royal Academy of Arts, vars kamp mot grundprinciperna var en av de förenande principerna för de prerafaelitiska konstnärerna.

Stilfunktioner

De uttalade dragen i stilen är arvet från Rafaels teknik. Perspektiv bygger på spelet mellan ljus och skugga. Konstnären använde en dämpad palett, framhävde accenterna med ljusa detaljer och skapade en atmosfär av action.

Huvudmålningar

• "Pizarro fångar de peruanska inkan";
• "Benjamins stams attack mot Siloams döttrar";
• "Ophelia";
• Körsbär Moget;
• "Romeos och Julias död."

D.E. Hirs. Ophelia

D.E. Hirs. Kristus i sina föräldrars hus

D.E. Hirs. Pizarro fångar de peruanska inkan

Madox brun

En framstående representant för prerafaelitismen, men var inte medlem i brödraskapet. Han stödde idéerna från Gabriel Rossetti och William Morris. Tillsammans med de sistnämnda arbetade han med design av glasmålningar.

Studerade vid Konsthögskolan (Brugge). Senare flyttade han till Gent och sedan till Antwerpen. Målningen "The Execution of Mary of Scotland", målad 1840, gav berömmelse Han förlitade sig på den romantiska riktningen av konstnärer från den tidiga renässansen. De flesta av berättelserna ägnades åt religiösa och andliga teman.

Stilfunktioner

I sina verk försökte konstnären uppnå en tydlig beskrivning av handlingen och förmedla sanningen om livet. Återgivning av händelsernas drama uppnås genom kontraster av färger och uttrycksfulla poser.

Huvudmålningar

• "Avrättningen av Mary of Scots";
• "Kristus tvättar aposteln Petrus fötter";
• "Farväl till England";
• "Sir Tristrams död."

F. M. Brown. Romeo och Julia. Den berömda balkongscenen

F.M. Brun. Farväl till England

F.M. Brun. Arbete

Edward Burne-Jones

Illustratör och målare, nära i handlingens anda och presentation för prerafaeliterna. Känd för sitt arbete med målat glas. Han fick sin grundutbildning vid King Edward's School.

1848 gick han in på ytterligare utbildning vid kvällskurser vid statens designhögskola. Han träffade William Maurice vid Oxford University (1853). Inspirerad av brödraskapets idéer övergav han den teologiska riktningen och påbörjade en fördjupad studie av teckningstekniker. Han dedikerade sina verk till de romantiska legenderna i England.

Stilfunktioner

Konstnären föredrog betoningen på den nakna manskroppen. Presentationen av perspektiv genom färgsättningen skapar en känsla av platthet. Det kontrasterande spelet av chiaroscuro är helt frånvarande. Tonvikten ligger på linjer, favoritfärgerna är guld- och orangespektrat.

Huvudmålningar

• "Upplysning";
• "Enchanted Merlin"
• "Gyllene trappa";
• "Blommornas bok";
• "Kärlek bland ruinerna."

E. Burne-Jones. Kärlek bland ruinerna.

E. Coley Burne-Jones. Kung Cofetua och tiggarkvinnan. 1884

Burne-Jones. Förtrollade Merlin

William Morris

W. Morris. självporträtt

Engelsk romanförfattare, konstnär, poet och socialist. Anses vara den största representanten för andra generationens prerafaeliter, den erkända inofficiella ledaren för Arts and Crafts Movement.
En rik familj kunde ge konstnären en bra utbildning. Av passion för medeltiden och Tractarian-rörelsen blev han vän med Edward Burne-Jones.
De huvudsakliga handlingslinjerna i W. Morris målningar var legenden om kung Arthur. Samlingen "The Defense of Guinevere and Other Poems", publicerad 1858, ägnades åt denna idé.
Sedan 1859 levde han i ett officiellt äktenskap med Jane Burden. Hon blev hans modell för många av hans målningar.