Arnold Schoenberg malam yang tercerahkan. A. Schoenberg: String Sextet "Malam yang Tercerahkan". Tahun-tahun awal. Periode kreativitas nada

Pendiri New Vienna School, Arnold Schoenberg, paling lengkap dan konsisten mewujudkan prinsip estetika ekspresionisme musik dalam karyanya. Ini adalah salah satu komposer yang namanya terkait erat dengan gagasan tentang kekhasan bahasa musik abad ke-20, tentang perbedaan mendasarnya dari bahasa musik di semua era sebelumnya.

Pada saat yang sama, karya Schoenberg, berbeda dengan karya komposer lain yang menentukan evolusi musik abad ke-20, belum mendapat pengakuan universal dan masih terus menjadi fenomena kontroversial. Berbagai penjelasan telah diberikan mengenai hal ini, namun satu hal yang pasti: logika evolusi kreatif Schoenberg mengarah pada bahasa musikal seperti yang terjadi pada akhir tahun 900an. Bahasa ini, antara lain, dibedakan oleh konsentrasi khusus "informasi" musik, yang ditekankan oleh penghindaran momen inersia, yang tidak dapat tidak membatasi kemampuan komunikatifnya - baik dalam hal persepsi pendengar maupun dalam hal pelaksanaan pertunjukan, yaitu biasanya dikaitkan dengan kesulitan yang signifikan. Secara umum, evolusi bahasa musik Schoenberg memungkinkan kita untuk menguraikan tiga periode dalam karyanya: tonal (sejak 1897), atonal, atau periode atonalitas bebas (sejak 1909), dan dodecaphonic (sejak 1923).

Tahun-tahun awal. Periode kreativitas nada

Schoenberg lahir pada 13 September 1874 di Wina dari keluarga pedagang miskin dan kehilangan ayahnya pada usia delapan tahun. Situasi keuangan keluarga ternyata sulit, sehingga Arnold tidak dapat menerima pendidikan umum atau musik yang sistematis. Dia belajar secara otodidak, kecuali pelajaran tandingan jangka pendek dengan konduktor dan komposer terkenal Alexander Tsemlinsky, yang segera menghargai bakat luar biasa dari musisi muda tersebut. Pada dasarnya Schoenberg sendiri harus menguasai dasar-dasar seni musik dan sekaligus mencari nafkah dari pekerjaan yang tidak menarik minat orang yang berbakat kreatif (pelayanan di bank, dll).

Karya pertama yang menarik perhatian luas atas nama Schoenberg sebagai komposer adalah string sextet " Malam yang tercerahkan", op. 4 (1899)*,

Programnya adalah puisi dengan nama yang sama oleh penyair Jerman Richard Demel *.

Sextet dengan mudah mengungkapkan pengaruh Wagner dan Liszt, Mahler dan Richard Strauss, Tchaikovsky; unsur-unsur gaya yang nantinya menentukan wajah kreatif Schoenberg sendiri masih belum terlihat sama sekali. Namun, kita tidak boleh terburu-buru menuduh eklektisisme dan kurangnya independensi. Faktanya, kita memiliki fenomena unik di hadapan kita: dalam bahasa musik sextet, sintesis organik dari gaya romantis besar paruh kedua abad ke-19 telah tercapai secara mengejutkan - karya tersebut sama sekali tidak berubah menjadi pengalihan. gaya komposer yang berbeda. Terlebih lagi, dalam “Enlightened Night” Schoenberg sudah tampil penuh dengan penguasaan. Karya ini dibedakan oleh kesempurnaan bentuknya, spiritualitas romantis, dikombinasikan dengan kedalaman psikologis, ia menunjukkan kemurahan hati imajinasi yang luar biasa: dalam perkembangan melodi yang tak ada habisnya, rangkaian tema liris dan deklamasi melewati, yang satu lebih baik dari yang lain. Penting untuk dicatat bahwa konduktor besar Jerman Wilhelm Furtwängler, yang mempertanyakan pentingnya bakat Schoenberg dan di tahun 20-an tidak menunjukkan semangat yang besar dalam mempromosikan karya simfoninya (yang membuat penulisnya tidak senang), hanya "Malam yang Tercerahkan" yang tidak menyangkal kejeniusannya. . Hingga hari ini karya tersebut tetap menjadi salah satu karya Schoenberg yang paling sering dipentaskan.

“Malam yang Tercerahkan” terdengar sebagai “akord terakhir” yang indah dari musik Jerman abad ke-19 (pada tahun 1899!). Dalam karya Schoenberg segera setelah Op. 4, ciri-ciri ekspresionis terlihat jelas, ketegangan bahasa musik meningkat tajam, yang mencerminkan suasana sebelum badai tahun-tahun sebelum Perang Dunia Pertama.

Sudah ada dalam jalinan musik puisi simfoni “Pelléas et Mélisande” setelah Maeterlinck (op. 5, 1903), First String Quartet, d-moll (op. 7, 1905), First Chamber Symphony untuk lima belas instrumen (op. 9, 1906)*

dan khususnya Kuartet Senar Kedua, fis-moll (op. 10, 1908)*,

* Dalam dua gerakan terakhir kuartet, terdengar suara perempuan sebagai solois (teks oleh Stefan Gheorghe).

Kita dapat melihat, dan semakin jauh, semakin besar keinginan yang mantap untuk menghindari manifestasi kelembaman dan hal-hal biasa, yang mengarah pada pemadatan waktu musik yang signifikan dan intensitas ekspresi yang ekstrem. Faktor penstabil tradisional dari struktur musik semakin banyak digantikan: keteraturan denyut metrik dan stabilitas elemen ritme yang diketahui, distribusi yang jelas dari struktur musik ke dalam rencana bertekstur dan periodisitas terukur dalam perubahan jenis tekstur dan warna nada, kuadrat yang berlaku dari struktur musik. struktur sintaksis, konsistensi, distribusi materi musik menurut skema komposisi klasik tertentu, pengulangan yang tepat. Gerakan figuratif non-individualisasi (yang disebut bentuk-bentuk bunyi umum), yang di antara karya-karya klasik masa lalu memunculkan relief tematik baik secara vertikal maupun horizontal, juga hilang. Namun yang lebih penting lagi adalah bahwa dalam semua karya ini, proses desentralisasi sistem mode-tonal klasik, yang dimulai pada musik romantis abad ke-19, semakin cepat. Melemahnya kecenderungan modal-fungsional yang mengatur penyebaran melodi horizontal dan perubahan vertikal harmonik semakin mengganggu inersia struktur nada.

Indikatif dalam hal ini adalah tema sekunder dan perlakuannya pada gerakan pertama Kuartet Senar Kedua. Melodi tema yang dibunyikan pada akord fungsi dominan pada kunci B-dur mengandung bunyi disonan yang dilontarkan yang sama sekali tidak sesuai dengan logika pemikiran modal klasik. H- Intonasi melodi di sini terbebas dari kendali harmoni dan modal gravitasi yang bekerja melaluinya. Hasilnya, melodi diubah dari rangkaian derajat konjugasi mode menjadi rangkaian interval konjugasi. Polanya dirasakan tidak hanya secara total, tetapi sebagian besar dan dibedakan: perhatian pendengaran ditetapkan pada setiap interval:

Ciri-ciri yang sama muncul selama pengembangan tema sekunder: ketika kembali, intonasinya berubah jauh lebih intens daripada yang biasanya terlihat dalam karya klasik atau romantis. Hal ini menekankan makna ekspresif dari setiap sel melodi terkecil, setiap interval:

Keinginan komposer untuk menghindari sejumlah kualitas struktur musik, yang sebelumnya tampaknya tidak perlu dikatakan lagi (dari kejelasan denyut metrik hingga fungsionalitas modal), disadari oleh orang-orang yang berpikiran sama dengan estetika musik baru - “estetika penghindaran” (“Aesthetik des Vermeidens”). Berdasarkan hal itu, Schoenberg mengindividualisasikan banyak hubungan fungsional dari struktur musik, sehingga menghilangkan momen-momen prediktabilitas perkembangannya, karena hubungan individual menjadi terselubung, secara diam-diam mengontrol perkembangan, dan tidak menciptakan gravitasi yang jelas.

“Estetika penghindaran” secara langsung mengikuti pedoman ideologis dan estetika umum seni ekspresionis, yang menegaskan hak seniman atas visi subjektif dunia, bahkan hingga merusak realitas. Semua ini kemudian menyebabkan perpecahan di kalangan khalayak luas, hingga isolasi elitis terhadap musik ekspresionis. Dan Schoenberg menyadari sepenuhnya hal ini. Dalam kumpulan artikel yang ia susun menjelang akhir hayatnya, “Gaya dan Ide,” di mana pandangan estetisnya diungkapkan dengan kecemerlangan sastra, ia, dalam artikel “Musik Baru, Musik Kedaluwarsa, Gaya dan Ide,” dengan tegas membela “ seni demi seni”: “Tidak seorang pun seniman... yang akan mempermalukan dirinya sendiri untuk menyesuaikan diri dengan slogan “seni untuk semua orang,” karena jika itu adalah seni, maka itu bukan untuk semua orang, dan jika itu untuk semua orang. , maka itu bukanlah seni.” Benar, elitisme estetika Schoenberg sama sekali tidak berarti pengingkaran terhadap peran sosial kreativitas musik. Artikel “Hati dan Otak dalam Musik” dari koleksi yang sama berbicara tentang keinginan akan kreativitas, yang dirancang untuk “mengatakan sesuatu yang penting bagi umat manusia”, tentang musik sebagai “pesan kenabian” yang menunjukkan kepada orang-orang jalan menuju bentuk kehidupan yang lebih tinggi.

Dengan satu atau lain cara, dominasi kecenderungan sentrifugal dalam bentuk musik menimbulkan bahaya keruntuhannya. Untuk menghindari kelonggaran, Schoenberg mencari kesatuan tematik tekstur dan pengembangan yang diamati dalam karya terbaik Brahms dan Beethoven. Hal ini merupakan penyimpangan yang terkenal dari prinsip “estetika penghindaran”, karena kesatuan konten tematik merupakan salah satu faktor inersia struktur musik. Namun dengan cara seperti itu masih mustahil untuk sepenuhnya mengkompensasi kerugian yang ditimbulkan oleh bentuk musik tersebut.

Secara umum, bahkan First Chamber Symphony dan Second String Quartet, karya terakhir periode tonal, masih sejalan dengan gaya Romantis akhir. Namun, bahasa musik mereka, sambil mempertahankan hubungan dengan bahasa "Malam yang Tercerahkan", dibedakan oleh kedalaman psikologis, ketajaman dan ketegangan yang lebih besar, dan individualitas komposer tampak lebih jelas di dalamnya.

Di antara karya-karya periode tonal, kantata “ Lagu Gurre"(tanpa karya) pada teks penyair Denmark Jens Peter Jacobsen dalam terjemahan bahasa Jerman oleh R.F. Arnold. Ini sebagian besar ditulis pada tahun 1900, tetapi Schoenberg menyelesaikan orkestrasinya hanya pada tahun 1911, setelah menciptakan karya pertama berdasarkan prinsip estetika dan teknis yang sama sekali berbeda. Penayangan perdana "Songs of Gurre", yang diadakan di Wina pada tanggal 23 Februari 1913, di bawah arahan Franz Schrecker, teman Schoenberg, adalah sebuah kemenangan. Namun penulis kantata hampir tidak memperhatikan apa yang kemudian menjadi kesuksesan terbesar dalam hidupnya sebagai komposer dan bahkan tidak ingin tampil di hadapan penonton yang bertepuk tangan dengan keras. Dengan susah payah mereka memaksanya untuk tampil di atas panggung, dimana dia, tetap tidak memperhatikan penonton, hanya mengucapkan terima kasih kepada para pemainnya. Alasannya, akunya, adalah keyakinan bahwa orang-orang yang memberinya tepuk tangan tidak akan mengikutinya di jalur inovasi berani yang sudah dimulai. Apa yang disetujui oleh para pendengar yang antusias sudah menjadi halaman baru bagi Schoenberg sendiri.

Puisi Jacobsen, yang menjadi dasar Lagu Gurre, menceritakan kisah cinta tragis raja Denmark Valdemar terhadap gadis cantik Tova, yang dibunuh atas perintah istrinya, ratu Hedwig yang cemburu. Oleh itu, karya Schoenberg sekali lagi mengembangkan motif romantis tradisional cinta dan kematian.

Kantata dibedakan oleh kemegahan desain keseluruhannya dan pada saat yang sama penyelesaian kerawang pada setiap detail terkecil. Monumentalitas di dalamnya berpadu secara organik dengan kecanggihan ekstrem yang menjadi ciri khas banyak mahakarya musik romantis akhir-akhir ini. Karya ini mengesankan dengan kemurahan hati imajinasi komposernya yang luar biasa, kekayaan tekstur, dan kedalaman harmoni psikologis. Ia menggunakan semua kekuatan pertunjukan yang bisa dibayangkan: sebuah orkestra besar, tiga paduan suara pria dan satu paduan suara campuran, lima penyanyi solo dan seorang pembaca - Pendongeng.

Hanya kesulitan besar yang terkait dengan peralatan pertunjukan yang rumit, yang mengubah setiap pertunjukan kantata menjadi sebuah peristiwa dalam kehidupan musik, tidak memungkinkannya menyamai popularitas “Malam yang Tercerahkan”. Bahasa musiknya tidak memiliki inovasi, dimulai dengan Pelléas et Mélisande. Seperti dalam operasi. 4, di sini kita dapat merasakan spektrum pengaruh yang disintesiskan ke dalam gaya individu, yang, bagaimanapun, jauh dari gaya yang nantinya akan mewakili pencapaian kreatif paling mendasar dari komposer. Meski demikian, jika Songs of Gurre mampu menutup evolusi kreatif Schoenberg, ia akan tetap tercatat dalam sejarah musik. Untuk tujuan ini, karya-karya yang telah ia ciptakan, dapat diakses oleh khalayak luas dan dengan keterampilan dan inspirasi tingkat tertinggi, sudah cukup. Bahkan tidak menutup kemungkinan dalam hal ini reputasinya sebagai komposer saat ini akan jauh lebih tinggi - setidaknya di mata banyak pecinta musik yang tidak memahami bahasa karya-karyanya selanjutnya. Namun, Schoenberg tidak takut untuk mematikan jalan menuju kesuksesan, yang memang pantas dan bertahan lama. Ini saja seharusnya memperkuat kepercayaan diri dalam pencarian selanjutnya.

Pada tahun 1900-an, komposer tersebut telah memperoleh reputasi yang cukup tinggi di kalangan musik Wina dan Berlin. Penayangan perdana karyanya, meski biasanya diiringi skandal, sukses besar di kalangan masyarakat tertentu. Schoenberg sangat mengapresiasi partisipasi ramah Mahler, meski ia tidak menyetujui segala sesuatu dalam karyanya.

Pada saat ini, karir mengajar Schoenberg dimulai: dia mengumpulkan sekelompok besar komposer muda yang ingin tahu mencari jalur baru dalam musik. Diantaranya adalah Alban Berg dan Anton Webern yang sangat dipengaruhi oleh gurunya. Kemudian, keduanya ditakdirkan untuk memasuki sejarah musik di sebelahnya - sebagai anggota triad komposer Novo-Wina (dapat dipahami bahwa triad pertama adalah Haydn, Mozart dan Beethoven). Dalam mengajar, Schoenberg tidak membatasi dirinya untuk mempelajari musik baru (bahkan menghindarinya, percaya bahwa dia “tidak bisa mengajarkan kebebasan”), tetapi menuntut dari generasi muda pengetahuan mendalam tentang musik klasik, kemampuan untuk memahami gaya secara kompeten. dan teknik komposisi musik besar masa lalu. Banyak siswa dalam memoarnya mencatat kesan yang kuat dari analisisnya yang luar biasa terhadap karya-karya Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms, berdasarkan pemahaman terdalam tentang maksud penulis dan cara pelaksanaannya. Ngomong-ngomong, “Doctrine of Harmony” (1911) karya Schoenberg terutama dikhususkan untuk akord dan metode memasangkannya dalam kerangka sistem harmoni klasik, yang dengannya praktik kreatifnya sudah sedikit terhubung. Jadi, di Schoenberg kita melihat contoh yang tidak begitu umum tentang seorang komposer yang terobsesi dengan kreativitas, yang pada saat yang sama mampu sangat tertarik pada musik “alien”, dan tidak hanya milik satu atau beberapa idola, tetapi juga musik dalam volume ensiklopedis. . Belakangan, pengetahuannya yang luar biasa tentang karya klasik tercermin bahkan dalam karya-karyanya, yang sangat melanggar tradisi.

Sketsa keindahan

Kandinsky dan Schoenberg di Museum Yahudi
Segala sesuatu yang diciptakan oleh orang-orang yang berakal akan dikalahkan oleh ciptaan-ciptaan orang-orang yang hiruk pikuk.
Plato
Musik abadi... Jika Anda, para pembaca yang budiman, sama seperti saya, terpikat, terpikat, dan memenuhi jiwa Anda dengan mahakarya simfoni Arnold Schoenberg yang istimewa, penuh gairah, dan kuat dalam pengaruhnya terhadap pendengar, maka Anda telah bergabung dengan musik yang disebut abadi.
Malam musim panas ini, putri malam,
terdengar olehku,
Tersiksa, terlalu dilupakan
cinta malam,
Di mana saya tidur – saat ini?
Atau apakah aku melayang di atas diriku sendiri?

Baris-baris puisi David Shrayer-Petrov melayang di atas saya bersama dengan “Malam Tercerahkan” karya Schoenberg, sebuah string sextet romantis (bahkan disebut hiper-romantis), yang saya dengar di sini, di New York, di salah satu aula besar Lincoln Center. Sextet ini, seperti kebanyakan karya Schoenberg, dibedakan oleh ketegangan emosional yang luar biasa, ekspresi yang meluap-luap, menimbulkan respons gelombang saraf, seolah meyakinkan kita: cinta, pengabdian, kemanusiaan akan tetap menang atas kejahatan. Gambaran musik sang komposer begitu kuat sehingga kita seolah-olah melihat bagaimana kekasihnya di malam yang tercerahkan memiliki sayap dan mereka lepas landas dan bergegas di antara bintang-bintang.
“The Great Austrian,” demikian sebutan Schoenberg di negara asalnya, adalah penemu musik atonal, salah satu dari mereka yang berdiri di garis depan budaya musik baru abad ke-20, yaitu musik modern. Mungkin, justru inilah - ketidakfleksibelan di hadapan kanon, sifat revolusioner mutlak dari simfoni, dan oleh karena itu pemikiran artistik, kecerdasan sejati yang dipadukan dengan kesopanan tertinggi - yang menjadi fondasi di mana sebuah bangunan dengan arsitektur yang luar biasa dibangun, bukan, melainkan a kuil persahabatan kreatif dan manusiawi terkuat Schoenberg selama bertahun-tahun dengan seniman besar Rusia, pendiri seni abstrak ekspresif, Wassily Kandinsky.
Ada pepatah lama Rusia: “Tuhan tahu siapa yang dia lawan” – baik dalam cinta maupun persahabatan. Tentunya itu adalah kekuatan yang lebih tinggi yang membawa Kandinsky pada tanggal 2 Januari 1911 ke gedung konser Munich, di mana dia pertama kali mendengar musik Schoenberg dan menyadari bahwa musik itu selaras dengan lukisannya, seolah-olah suara-suara itu, setelah terwujud, memperoleh warna dan berbaring. kanvas, atau, sebaliknya, gambar-gambar indah, yang lahir dari pikiran menyakitkan sang seniman, naik ke langit dengan suara musik yang mengundang dari komposer yang terinspirasi.
Beginilah perkenalan mereka terjadi, yang memberikan dorongan (“mungkin di bawah tanah,” jelas Kandinsky sendiri) pada persahabatan yang sangat erat dan dialog intelektual yang menarik - korespondensi bertahun-tahun antara dua orang hebat itu. Sangat berbeda - seorang musisi dan pelukis, seorang Rusia dan seorang Austria, seorang Kristen Ortodoks dan seorang Yahudi, dan sejenisnya - para peneliti yang berani dan berani, meremehkan opini dan rumor manusia, acuh tak acuh terhadap kesuksesan dan uang sesaat, tak kenal takut dan gigih dalam usaha mereka. keyakinan. Bagi laki-laki sejati, baik dalam kreativitas maupun kehidupan keduanya, prinsip maskulin lebih dominan. Mereka menciptakan dunia paralel: Schoenberg meledakkan musik tonal dan melarikan diri dari harmoni tradisional, Kandinsky menolak perspektif gambar dan presentasi tradisional serta bentuk gambar. Mereka, komposer dan seniman, tidak hanya saling memahami secara mendalam, tetapi juga mendukung, menyetujui, dan sering kali saling melengkapi, bahkan memprakarsai terobosan revolusioner dalam kreativitas masing-masing yang terus berubah dan diperbarui.
Oleh karena itu, tidak mengherankan jika para sejarawan seni di New York Jewish Museum (yang terletak di sudut 5th Avenue dan 92nd Street) menggabungkan dalam satu pameran persilangan takdir dan kreasi kedua orang hebat ini.
Jika Schoenberg “jatuh cinta” pada musik sejak kecil, mulai bermain, mengarang, dan menunjukkan bakatnya sebagai simfoni sejak dini, sama seperti saat ia “menelan tongkat konduktor” (seperti yang mereka katakan dengan bercanda tentang konduktor berbakat), maka Kandinsky , seperti Van Gogh dan Gauguin, memasuki dunia seni lukis profesional di usia dewasa, setelah tiga puluh tahun, dan godaannya terhadap modernisme bukanlah keinginan muda untuk menguji dirinya sendiri, untuk meretas segala sesuatu yang ada, tetapi peralihan sadar ke pencapaian artistik baru - ke penciptaan seni abstrak, yang keberadaannya dibuktikannya tidak hanya melalui praktik melukisnya, tetapi juga secara teoritis.
Ngomong-ngomong, apa itu avant-garde? Dalam seni rupa dan terapan, musik, teater, arsitektur? “Fenomena yang secara historis spesifik dalam perkembangan kebudayaan,” ensiklopedia mendefinisikan, “ciri khasnya adalah penemuan cara, metode, dan bentuk pemikiran artistik baru.” Anda tidak bisa mengatakannya dengan lebih jelas. Dan tentu saja yang terpenting, yang utama di sini, adalah individualitas kreatif, kemampuan sang master, melalui metodenya, cara dan gaya artistiknya, untuk mengekspresikan nilai-nilai spiritual, suasana spiritual zaman kontemporernya. Berbicara tentang spiritualitas, Kandinsky menekankan bahwa “hal ini terkait dengan ekspresi dunia batin manusia, yang paling banyak terungkap dalam bentuk-bentuk non-objektif, karena objektivitas adalah materialisme yang tidak memiliki semangat dan vulgar,” dan era seni baru berarti pergerakannya. menuju “sifat yang tidak wajar, abstrak, dan batin”.
Sebenarnya, cat air “non-representasional” pertama Kandinsky, yang kita lihat di pameran, menjadi titik tolak seni abstrak. Kemudian, pada dekade kedua abad ke-20, motif apokaliptik dan firasat akhir dunia mulai muncul dalam lukisan sang seniman. Bukankah ini merupakan visi cemerlang tentang bencana di masa depan - perang berdarah, revolusi, fasisme, era Gulag, kematian jutaan orang? Betapa fasihnya, betapa menariknya perasaan kita, bagaimana mereka memobilisasi kehendak mahakarya Kandinsky “Cat Air dengan Bintik Merah”, litograf “Oranye”, “Komposisi II” yang terkenal dengan simbol falusnya dan prediksi dalam teks terbuka: “ Takut akan masalah dan kematian! Mereka datang! Dan karya terbesarnya dalam hal intensitas tragedi adalah komposisi VI dan VII. Garis-garisnya bergerak sepanjang permukaan kanvas dalam lengkungan-lengkungan halus, berinteraksi, saling bertabrakan, berubah arah, putus atau berpotongan, dan membentuk kombinasi tertentu. Bintik dan garis berperan seperti makhluk hidup, yang mempertegas dan mengungkap esensi batin dan ekspresi peristiwa, memperoleh karakter universalitas, dan tragedi ini tidak hanya mengandung unsur pemurnian, tetapi juga perkembangan harmonis dari kontradiksi yang tampaknya tak terpecahkan. Inilah kejeniusan Wassily Kandinsky, yang berhasil menciptakan realitas yang benar-benar baru, di mana kita dapat merasakan seluruh dunia spiritual kompleks kontemporer kita, penuh dengan pergolakan besar, dan paduan warna dalam musik warnanya, sebuah paduan suara yang terdiri dari banyak suara, terdengar kuat dan bersemangat.
Tetapi Schoenberg juga menulis musik berwarna multiwarna, hanya senjata Kandinsky yang berupa garis dan warna, dan senjata Schoenberg adalah suara. Dan orientasi ideologinya juga sama: kejahatan akan datang, tetapi kebaikan akan menang. Menariknya, baik di Jerman fasis maupun di Uni Soviet, lukisan Kandinsky, seperti karya Schoenberg, diklasifikasikan sebagai seni yang merosot, difitnah dan dilarang, tidak dipamerkan, dan tidak dipentaskan. Oleh karena itu, kami praktis tidak mengenal mereka, sehingga segala sesuatu yang kami lihat dan dengar di Museum Yahudi adalah hal baru bagi kami, dan khususnya lukisan Schoenberg.
Bagi saya, merupakan penemuan nyata bahwa komposer hebat Arnold Schoenberg juga merupakan seniman orisinal yang sangat menarik. Sungguh, dunia jiwa manusia tidak ada habisnya.
Penyair hebat Viktor Urin memiliki baris berikut:

Kecepatan yang tidak dapat diprediksi mendidih:
jarak dari paduan ke disintegrasi,
jarak dari "seharusnya" ke
"Tidak dibutuhkan",
jarak dari bibir ke bibir,
jarak dari beriman ke tidak beriman.
Dan kemenangan menyiksa kita dengan kekalahan,
jika berpura-pura lebar
tersenyum -
Kita semakin gelap.
Kedua sahabat itu punya banyak alasan untuk menjadi suram secara mendalam: dua perang dunia yang mematikan, dan di tahun-tahun di antara mereka juga membawa kematian dan kengerian - revolusi, kelaparan, kedinginan, perlombaan menuju puncak di Rusia, Nazisme di Jerman, Anschluss di Austria. Keduanya harus meninggalkan negara asalnya: Kandinsky - Rusia (pada tahun 1921 selamanya), Schoenberg - mengungsi ke Amerika Serikat. Keduanya kesulitan dengan itu semua. Dan tidak ada keharmonisan dalam kehidupan pribadi mereka, meski lagi-lagi keduanya bersifat monogami, namun takdir berkata lain. Pernikahan Kandinsky yang terlambat adalah kemalangan nyata, yang berimplikasi pada absurditas, keserakahan, kebodohan dan perselingkuhan istrinya, yang sangat dia cintai, meskipun dia tahu nilainya. Dan Schoenberg sangat mencintai Matilda-nya, bahkan ketika dia meninggalkannya demi artis Richard Herzl, meninggalkan kedua anaknya. Kemudian, seolah-olah tidak terjadi apa-apa, dia kembali. Dan dia menerimanya, dia hanya kesal dengan bunuh diri Herzl. Tuhan, betapa nafsu berkobar, wanita apa - Matilda Schoenberg, Alma Mahler, yang dengan sembrono berselingkuh dari suaminya Gustav, komposer dan konduktor hebat Austria lainnya, dan kekasihnya, artis hebat Oskar Kokoschka, juga. Jadi gelar “hebat” tidak menyelamatkan Anda dari rasa tidak suka dan pengkhianatan.
Ketika Matilda meninggal (usianya belum genap empat puluh tahun), Schoenberg menulis simfoninya yang terkenal, Waiting, dan Kandinsky menanggapinya dengan nada crescendo yang penuh warna. Tidak, sang komposer tidak berkabung sampai akhir hayatnya; setelah beberapa waktu ia menikah lagi. Selain itu, biseksualitas menyerbu hidupnya: Alban Berg, dan kemudian musisi muda lainnya mengisi hidupnya dan muncul di kanvasnya. Namun yang paling menarik menurut saya dalam lukisan Schoenberg adalah rangkaian potret dirinya. Seperti kalender hidupnya. Siapa yang dapat bercerita lebih lengkap, mendalam dan tanpa ampun tentang dirinya selain sang seniman sendiri, dan Schoenberg memiliki dua jalan, dua kemungkinan: musiknya dan lukisannya. Dia mengulangi “Menunggu” di kanvas. Dan potret dirinya yang paling signifikan dan paling tragis adalah dan tetap menjadi potret ukuran penuh, di mana dia berjalan di sepanjang jalan kusam yang tak berujung, dan kami, hanya melihat punggungnya yang bungkuk, memahami: ini adalah jalan menuju ke mana-mana. Plastiknya luar biasa.
Dan satu lagi lukisan yang mau tidak mau kami sebutkan: “Tampilan Merah”. Mimpi buruk. Potret fasisme yang muncul dua dekade kemudian. Ramalan seorang jenius?
Penerbitan almanak “The Blue Rider” adalah ide Kandinsky. Dalam majalah ini, dia dan rekan-rekannya mewujudkan seluruh spektrum emosi, hasrat, dan visi dunia dan manusia yang berkecamuk di otak dan hati mereka. Ada teks sastra dan musik, gambar, litograf, dan artikel politik. Almanak juga memberi namanya pada asosiasi artistik seniman avant-garde dan pengikut ekspresionisme yang baru lahir. Pesertanya adalah Mark Kandinsky, Klee, Macke... Schoenberg juga terlibat. Pentingnya unifikasi dalam perkembangan seni rupa abad ke-20 tidak bisa dilebih-lebihkan. Pameran yang bertajuk: “Kandinsky, Schoenberg and the Blue Rider” ini menampilkan karya-karya seniman “Rider” (ada 14 di antaranya): Franz Marc (“Sapi Kuning”-nya yang terkenal), Gabrielle Munter, Robert Delano, Albert Bloch, Henri Rousseau, David Burliuk... Seperti yang Anda lihat, seorang internasionalis yang menerbitkan salah satu manifesto modernis paling keras di almanak.
Tentu saja, tuduhan anti-Semitisme terhadap Kandinsky, yang kata-katanya diputarbalikkan oleh Alma Mahler, adalah fitnah, yang dibantah dengan marah oleh Schoenberg, dan Kandinsky sendiri sangat tersinggung. "Ini tidak mungkin!" - dia berkata.
Sayangnya, persahabatan kedua orang hebat ini tidak bertahan dalam ujian usia tua. Pada tahun 1936, Kandinsky menulis surat terakhirnya kepada Schoenberg.
"Spiritualitas dari akarnya." Demikian diungkapkan Oskar Kokoschka tentang karya mereka masing-masing. Kami yakin akan hal ini dengan mengenal karya-karya mereka.
Anda dapat mencapai Museum Yahudi dengan kereta metro 4, 5, 6 ke halte “86 Street”. Pada hari Kamis setelah jam 5, tiket masuk gratis.
Ngomong-ngomong, Anda juga akan melihat instalasi televisi menakjubkan yang terinspirasi oleh Schoenberg dari Dara Birnbaum, “Waiting.” Pada tanggal 7 Desember di Alice Tully Hall di Lincoln Center pada pukul 5 Anda dapat menghadiri konser yang menampilkan "Enlightened Night" karya Schoenberg, dan pada tanggal 16 Desember pukul 8:00, 20 Desember pukul 1:30, dan 23 Desember pukul 7:30 di Metropolitan opera" akan diberikan satu-satunya opera karya Arnold Schoenberg "Moses and Aaron".

"Verklärte Nacht" ("Malam yang Tercerahkan"), op. 4 (1899) oleh Arnold Schoenberg, dibawakan oleh Artis Rakyat Rusia, konduktor Wolf Gorelik dan Orkestra GAMT. Stanislavsky dan Nemirovich-Danchenko. Konser tersebut berlangsung pada 26 Juli 2011.

Tannhäuser: Dengarkan Sextet yang luar biasa ini, yang ditulis oleh komposer bahkan sebelum ia menemukan sistem dodecaphone yang terkenal. Yaitu, dalam format yang sepenuhnya “klasik”. Di bawah ini saya mengutip teks dari http://intoclassics.net, yang akan membantu Anda lebih memahami karya komposer, guru, ahli musik, konduktor Austria dan Amerika yang luar biasa.

Sextet “Enlightened Night”, yang ditulis pada tahun 1899 berdasarkan puisi “Woman and World” karya Richard Demel, jelas melanjutkan garis romantisme akhir. Bahan sumber sastra Sextet memuat subjek-subjek khas era romantis: seorang wanita dan seorang pria; malam terang bulan; menikmati keindahan alam.

Komposisi Sextet menarik. Secara formal, komposer menulis sonata Allegro. Namun pada saat yang sama, ia memantau isi teks secara mendetail, terkadang memungkinkan terjadinya penyimpangan yang sangat signifikan dari skema. Skema internal yang sama akan muncul kemudian dalam Schoenberg dan dalam komposisi dodecaphonicnya. Richard Dehmel menulis kepada Schoenberg bahwa, saat mendengarkan "The Enlightened Night" di konser, dia mencoba mengikuti motif teksnya, tetapi segera melupakannya, karena terpesona oleh musiknya.
Asal muasal musik Schoenberg berasal dari seni romantis mendiang R. Wagner, A. Bruckner, R. Strauss dan G. Mahler. Pengaruh tersebut begitu jelas sehingga para kritikus sering mengabaikan tiga kualitas penting gaya Schoenberg yang bertentangan dengan tradisi Romantis. Pertama, kaum Romantis akhir mengembangkan pemikiran musik mereka dalam jalinan harmonis yang padat dan kaya, sementara Schoenberg, dengan pengecualian beberapa karya awal (misalnya, Gurrelieder, untuk solois, tiga paduan suara dan orkestra, 1910-1911), lebih menyukai karya yang singkat. penyajian ide, tanpa pengulangan yang tidak perlu, dan tekstur yang jelas dan terdengar jelas. Kedua, Schoenberg memiliki cara berpikir yang positif, dan oleh karena itu bahkan karya-karyanya yang paling romantis (seperti sextet awal Enlightened Night, Verklarte Nacht, op. 4) dibedakan berdasarkan perkembangan logis dan kejelasan strukturalnya. Ketiga, teknik polifonik Schoenberg dicirikan oleh kepercayaan diri dan keahlian, yang membuatnya lebih dekat bukan dengan romantisme yang disebutkan di atas, melainkan dengan J. Brahms.

Pendengar di beberapa kota di dunia dapat membanggakan bahwa dalam satu musim mereka menyaksikan tiga konser oleh konduktor luar biasa yang didedikasikan untuk hari jadi mereka (yang dengan sendirinya sudah memberikan kesan yang menakjubkan). Di panggung Aula Besar, di belakang konsol, berdiri guru Yuri Temirkanov, Valery Gergiev, Vasily Sinaisky dan seluruh galaksi konduktor hebat lainnya, Ilya Aleksandrovich Musin yang berusia sembilan puluh tahun dan murid pertamanya, delapan puluh lima- Odysseus Achillesovich Dimitriadi yang berusia satu tahun.

Carlo Maria Giulini yang legendaris juga merayakan ulang tahunnya yang kedelapan puluh dengan konser di aula ini. Penampilan aristokrat sang maestro yang tegas, memimpin dengan hati, tanpa skor, kebiasaan berdiri di atas panggung sejajar dengan orkestra - semuanya menunjukkan bahwa para pendengar memiliki kesempatan langka untuk bertemu dengan master sekolah konduktor Eropa kuno. Tapi Giulini sama sekali bukan “peninggalan museum”; bar pertama Simfoni Kedua meyakinkan kita akan hal ini. Gerakannya yang jelas, singkat, dan agak terkendali tanpa sadar menarik perhatian, prinsip kemauannya yang kuat menundukkan pendengar dan anggota orkestra. Sayangnya, Philharmonic Orchestra kini sedang mengalami masa-masa sulit - yang bahkan terasa malam itu. Kurangnya koherensi, solo yang tidak ekspresif dan, yang paling penting, hilangnya kemerduan sebelumnya terutama terlihat di Brahms' Fourth. Namun konser tersebut adalah salah satu yang paling penting untuk komposisi pertama St. Petersburg Philharmonic musim ini. Penonton dengan penuh semangat menyambut para musisi, dan walikota yang bersyukur berulang kali muncul di panggung dengan persembahan - terkadang dengan sekeranjang besar bunga, terkadang dengan patung perunggu serigala betina mitologis Romawi yang memberi makan Romulus dan Remus.

Sehari sebelumnya, aula ramai yang sama disambut oleh orkestra kamar Yuri Bashmet "Moscow Soloists", yang melakukan tur ke St. Petersburg untuk pertama kalinya. Bashmet menjadi legenda hidup di depan mata kita. Mungkin belum pernah seorang pemain biola mencapai posisi setinggi ini dalam hierarki pertunjukan yang tak terucapkan. Penciptaan orkestra, konduktor, arahan artistik dari sebuah program televisi, festival - semua ini, tampaknya, seharusnya memengaruhi kualitas pertunjukan. Namun tidak bagi Bashmet, dan penduduk St. Petersburg yang yakin akan hal ini ketika mendengarkan Monolog Schnittke untuk orkestra viola dan string serta solo viola di Konserto Brandenburg Keenam. Bashmet tahu bagaimana merohanikan struktur musik yang murni, menjenuhkannya dengan konten emosional yang mendalam, tanpa pernah berlebihan. Namun, sulit untuk membicarakan Bashmet sang konduktor dalam aspek teknis. Di belakang podium Solois Moskow adalah seorang musisi brilian dengan selera bentuk dan gaya yang tajam, tetapi yang terpenting, kepribadian yang luar biasa, mempengaruhi orkestra dan penonton melalui kehadirannya. Para "solois" dibedakan oleh budaya ansambel yang besar, pelatihan khusus dan, atas dasar ini, mungkin masih terbatasnya kebebasan.

Sorotan sebenarnya dari tur orkestra adalah "Malam Tercerahkan" karya Schoenberg, yang dibawakan dengan sangat jernih sehingga terkadang Anda seolah-olah baru pertama kali mendengar karya terkenal ini. Pada pertengahan tahun empat puluhan, Alexei Remizov menuliskan dalam buku hariannya perasaannya terhadap musik Schoenberg yang didengar di radio: “kombinasi suara baru dan suara baru... Itu adalah perasaan: ledakan dan langit baru.”

Debut tim muda di St. Petersburg adalah peristiwa besar. Orkestra juga berpartisipasi, bersama dengan Orkestra Kamar Pemuda Tchaikovsky, dalam konser amal besar-besaran untuk mendanai program Virtuosi 2000, yang memberikan dukungan kepada musisi muda.